Radikalisierung im US-Kino: Von „The Purge“ bis „The Change“

Warum Hollywood den Blick nach innen richtet

Das US-Kino hat seine großen politischen Debatten noch nie im Kongress geführt. Es hat sie auf der Leinwand ausgetragen, mal als Parabel, als Provokation, oder als tröstende Geschichte über Zusammenhalt. In den letzten Jahren hat sich diese Form des Diskurses spürbar verändert. Der Blick richtet sich nicht mehr nur nach außen, auf Feinde, Systeme oder abstrakte Bedrohungen. Er geht nach innen, auf Nachbarschaften, Familien, Gemeinden und die fragilen Bindungen, die ein Land zusammenhalten.

Radikalisierung ist dabei längst kein Fremdwort mehr aus der Sprache der Sicherheitsbehörden. Sie wird zum dramatischen Motor. Das Ergebnis ist eine neue Welle US-amerikanischer Filme und Serien, die Gewaltphantasien, Empörung und Erschöpfung nicht nur zeigen, sondern analysieren. Sie fragen, wie man an einem Dienstagabend vom diskutierenden Bürger zum Überzeugungstäter wird. Sie fragen, was passiert, wenn Politik in den Alltag hineinblutet. Und sie fragen, wie Kunst reagieren soll, wenn Deutungshoheit auf dem Spiel steht.

Dieses Special bietet einen Überblick über die aktuelle politische Filmlandschaft und untersucht das fragile Spannungsfeld zwischen Fiktion und Realität, in dem sich die USA – und Hollywood als ihr Spiegelbild – immer wieder neu inszenieren. Es zeigt, warum Paranoia und Polarisierung im US-Kino keine Mode sind, sondern wiederkehrende Zyklen. Es zeigt, wie die Linie vom Watergate-Misstrauen zu den Purge-Nachtregeln und weiter zu Gegenwartsdiagnosen wie „Civil War“ und „The Change“ verläuft. Im folgenden Artikel bohren wir tiefer in Ästhetiken, Erzählstrategien und die ethischen Grauzonen, die entstehen, wenn Filme sich an den Rändern der Demokratie bewegen.

Filmhistorischer Prolog: Vom Paranoia-Thriller zu postideologischen Albträumen

Beginnen wir in den 1970er Jahren. Nach Pentagon Papers und Watergate war Vertrauen eine rare Ressource. Das Kino reagierte mit dem Paranoia-Thriller als Signaturform. Figuren hörten ab, wurden abgehört, zeichneten auf und wurden aufgezeichnet. Macht war unsichtbar, aber spürbar. In „The Conversation“ (dt. Titel Der Dialog) mit Gene Hackman kontrollierte Information den Raum, nicht das Gesetz. In „All the President’s Men“ (dt. Titel Die Unbestechlichen) mit Robert Redford, kontrollierte Recherche das Narrativ, nicht die Propaganda. In dieser Ära ging es um strukturelle Korrumpierung. Bürger misstrauten Institutionen und Institutionen misstrauten Bürgern.

Das Kino visualisierte dieses wechselseitige Misstrauen als akustische Störung, als Blick durch Glasscheiben, als endlose Flure, in denen Wahrheit immer hinter der nächsten Tür liegen konnte. Mit Reagan und der ideologischen Neusortierung der 1980er verschob sich die Bildpolitik. Das Blockbuster-Kino definierte Feindbilder wieder außerhalb der eigenen vier Wände. Der Heldentum der Hauptfigur festigte ein moralisches Leitbild. Die Auflockerung kam in den 1990er Jahren. Das Vertrauensobjekt kehrte zurück, jedoch in zerstückelter Form. 1999 markierte „Fight Club“ den Beginn der postideologischen Wut als Pop-Phänomen. Der Mann ohne feste Identität, der sich im Untergrund neu erfindet, war Vorbote einer Ära, in der Zugehörigkeit nicht mehr durch Institutionen, sondern durch Emotionen, Szenen und Ersatzfamilien vermittelt wird.

Nach 2001 bekam der Sicherheitsstaat neue Mittel. Das Kino jonglierte mit Ambivalenzen. Einerseits patriotische Erzählungen über Opfer und Dienst. Andererseits skeptische Blicke auf Ausnahmezustände und Folterlegitimation. Die zentrale Bewegung dieser Zeit war ästhetisch. Die Handkamera rückte näher an Körper heran. Hitze, Schweiß, Atem und Atemlosigkeit wurden Teil des politischen Bildvokabulars. Ab hier ist der Weg zu den Filmen der Gegenwart kurz. Das Sicherheitsdenken hat den Alltag erobert. Die Eskalation ist keine Verschwörung mehr hinter verschlossenen Türen, sondern das Produkt eines medialen Dauerrauschens und digitaler Bubbles, in denen Sprache selbst zur Munition geworden ist.

Die Purge-Formel: Radikalisierung als Alltagsritual

„The Purge“ etabliert 2013 ein perfides Gedankenexperiment. Einmal im Jahr wird in einem fiktiven Staat eine legale Menschenjagd ausgerufen. Aggressionen werden kanalisiert. Klassenunterschiede werden verschärft. Die Nachbarschaft wird zum Minenfeld. Die Filmreihe zeigt Radikalisierung nicht als Ausnahme, sondern als geplanten Prozess. Sie funktioniert über Regeln, Masken und Nachbarschaftsrituale. Die Kamera fährt an gepflegten Vorgärten vorbei. Das Monster lebt nicht im Wald. Es lebt im Reihenhaus.

Ein dramatischer Moment, auf den Punkt gebracht und greifbar: Ein Vorort, in bläuliche Dämmerung getaucht. Ein Vater schließt die letzte Stahljalousie. Das Summen der Motoren ist das Metronom einer Gesellschaft, die hofft, Gewalt mechanisch abriegeln zu können. Dann klingelt es. Vor der Tür steht ein höflicher junger Mann. Sein Lächeln ist unschuldig, sein Anliegen ist mörderisch. Die These von „The Purge“ verdichtet sich an dieser Schnittstelle. Radikalisierung muss nicht lautstark sein. Sie kann flüstern. Sie kann auch leise erfolgen. Sie braucht keine Argumente. Sie braucht nur Erlaubnis.

Analytisch betrachtet offenbart diese Dramaturgie zwei Mechanismen. Erstens: Normalisierung. Diejenigen, die Gewalt zu einem Ritual machen, nehmen ihr das Grauen und verstärken ihre Akzeptanz. Zweitens die Außenwirkung. Diejenigen, die Aggression nach außen tragen, pflegen ein Erscheinungsbild des Anstands. Beide Mechanismen sind Katalysatoren für eine Eskalation. Deshalb entwickeln die Fortsetzungen diese Formel in der Breite weiter. Sie öffnen die Vororte und dringen in die Städte vor. Sie zeigen, wie politische Rhetorik, Privilegien und Unsicherheit zusammenspielen. Sie behaupten nicht, dass Radikalisierung aus dem Nichts entsteht. Sie zeigen die Mechanismen, die hinter ihrer Faszination stecken.

„Civil War“: Die Ästhetik des Ausnahmezustands

Alex Garlands „Civil War“ verfolgt eine andere Linie. Der Film beginnt nicht mit orchestrierter Eskalation, sondern mit einer hermetischen Reporting-Situation. Ein Team von Fotojournalisten reist durch ein zerrissenes Land. Die Kamera beobachtet Körper in Schutzwesten, Gesichter hinter Ferngläsern, nervöse Finger am Abzug. Der Raum ist Amerika, doch seine Bilder sehen aus wie Kriegsberichterstattung aus weit entfernten Konfliktzonen. Genau das ist die Pointe. Die fremde Distanz kippt in intime Nähe.

Es sind dramatische Momente, nur kurz und knapp, greifbar. Eine Staubwolke am Horizont. Ein Konvoi hält. Die Stille wirkt, wie nach einem Stromausfall. Dann das rhythmische Knallen. Keine Musik, nur die unregelmäßige Mathematik von Schüssen. Ein Reporter schiebt sich auf dem Bauch nach vorne, den Ellbogen in den Asphalt gegraben. Ein Fernglas fängt einen Mann ein, der mit erhobenen Händen dasteht. Ein anderes Team brüllt Befehle. Die Linse wackelt kurz. Dann ein Körper, der in sich zusammenfällt. Der Schnitt hält nicht inne. Er lässt die Szene ablaufen, als wäre sie eine (all-)tägliche Übung.

Die Analyse dahinter hat zwei Aspekte. „Civil War“ verweigert die bequeme Eindeutigkeit. Der Film ist nicht an klaren Parteifarben interessiert. Er ist an der Ökologie des Bürgerkriegs interessiert. Diejenigen, die Waffen, extreme Bewegungen, Paramilitärs, Geständnisse und Straßenkarten wollen, erhalten Reise-Etappen, Check-Points und Zwischenfälle. Dies ist keine dramatische Verweigerung. Es ist eine politische Erkenntnis. Radikalisierung braucht nicht immer Ideologie als Dialog. Sie braucht Raum, Gelegenheiten, Anheizung. Deshalb konzentriert sich Civil War auf Topografie und Vorgehensweisen.

Er zeigt, wie schnell die Kommunikation zusammenbricht, wenn Situationen eskalieren. Er zeigt auch, wie die Kamera zwischen Beobachtung und Beteiligung wechselt. Die ethische Frage bleibt: Wann wird Dokumentation zu einer Mittäterschaft? Die Antwort bleibt unbeantwortet. Diese Offenheit ist der schärfste Kommentar.

„The Change“: Radikalisierung als Familienkonflikt

Während „The Purge“ Strukturen modelliert und „Civil War“ Landschaften belauscht, verlegt „The Change“ den Fokus in die Sphäre der Familie. Eine Professorin, ein Sternekoch, ein erwachsener Sohn. Eine Beziehung, die politisch wird, bevor jemand das Wort Politik ausspricht. Eine junge Frau, deren Thesen an der Uni nicht bestehen und die in der Öffentlichkeit verfangen. Eine Bewegung, die sich Change nennt und doch vor allem die Erzählung besetzt. Aus dem Lehrraum wird das Wohnzimmer. Aus dem Seminarprotokoll wird der familiäre Ausnahmezustand.

Die Szenerie: Ein Jubiläumsdinner. Ein Rotweinfleck leuchtet auf einem weißen Tischtuch. Gesprächsfetzen fliegen, nicht laut, aber messerscharf. Die Professorin sieht ein Gesicht und sieht eine alte Seminararbeit mit Markierungen am Rand. Ein Satz steht in Erinnerung. Er behauptete, man müsse der Demokratie die rhetorische Bühne entziehen, um sie zu erneuern. Die Luft ist jetzt dünn. Zwischen Dankesreden und Dessert sitzt ein Dissens, der nicht mit einer Wortmeldung zu löschen ist. Die Analyse ist hier in den Mikroentscheidungen verborgen.

Radikalisierung findet nicht nur statt, wenn die Straßen brennen. Sie beginnt, wenn sich Begrifflichkeiten verschieben. Wenn Freiheit eher die Freiheit von Vorschriften als die Freiheit durch Vorschriften bedeutet. Wenn Veränderung eher die Unterdrückung anderer Meinungen als das Streben nach Kompromissen bedeutet. „The Change“ arbeitet mit dem Werkzeugkasten des Familiendramas. Er nutzt bürgerliche Räume als Resonanzkörper für politische Versuchungen. Er lässt den Konflikt nicht in Hashtags enden, sondern im Blick der Mutter, die begreift, dass die Universität nicht nur ein Arbeitsplatz ist. Es ist ein sicherer Ort für offene Diskussionen. Wenn dieser sichere Ort verloren geht, wird das Zuhause zur nächsten Frontlinie.

Spoiler-Hinweis

Im folgenden Abschnitt werden einzelne dramaturgische Wendungen aus „The Purge“, „Civil War“ und „The Change“ skizziert. Die Szenen sind exemplarisch gewählt und dienen der analytischen Einordnung.

Mechaniken der Radikalisierung: Rekrutierung, Ritual, Resonanz

Drei Mechaniken tauchen im aktuellen US-Kino wiederholt auf. Erstens Rekrutierung. Zweitens Ritual. Drittens Resonanz. Rekrutierung ist der Moment der Ansprache. Filme zeigen ihn selten als Predigt. Sie zeigen ihn als Angebot. In „The Purge“ ist es die Anonymität der Maske, die sagt, du darfst. In „Civil War“ ist es die Waffe, die sagt, du musst. In „The Change“ ist es die Rede, die sagt, du sollst. Rituale liefern die Form. Sie reduzieren Komplexität und geben Handlungsanleitungen. Ein Code, eine Geste, eine Einladung, eine Deadline.

Resonanz ist Rückkopplung. Radikalisierung funktioniert, wenn Handlungen ein entsprechendes Echo finden. Nicht nur in den Medien. Zuerst in kleinen Kreisen. Ein Nicken. Ein Schulterklopfen. Ein Gefühl von Zugehörigkeit. Szenenwechsel. Eine Garagentür öffnet sich. Im Inneren hängt eine Flagge. Niemand erwähnt sie. Alle haben sie gesehen. Der Abend verläuft wie geplant. Später wird jemand sagen, dass sie nichts zu bedeuten hatte. Der Film weist darauf hin, dass die Bedeutung genau hier entstanden ist. Nicht durch Parolen. Durch stillschweigende Bestätigungen.

Diese Mechanismen erklären, warum aktuelle Filme auf große Erklärungen verzichten. Sie interessieren sich für die kleinen Schritte. Der Satz „Kommst du mit mir mit?“ ist cineastisch wirkungsvoller als eine Flut von Slogans. Und der Satz „Wir warten auf den richtigen Moment“ hat mehr Gewicht als die vierte Debatte über Legitimierung. Das ist keine Vereinfachung, sondern Realismus. Radikalisierung ist ein Prozess der Vereinfachung. Kunst, die diesen Prozess ernst nimmt, muss ihn zeigen und nicht nur kommentieren.

Verantwortung und Ambivalenz: Was darf das Kino

Wenn Filme über Radikalisierung erzählen, ist die Wahl der Form kein Ornament. Sie ist Aussage. „The Purge“ arbeitet mit klaren Geometrien, Zäunen, Girlanden, Lichterketten. Der Horror wird dekoriert. Das erzeugt kognitive Dissonanz. Das ist die Pointe. „Civil War“ zieht die Farben aus dem Bild. Staub, Grau, Metall. Es ist eine Ästhetik der Erschöpfung. Sie verweigert sentimentale Überhöhung. „The Change“ setzt auf Interieurs. Tische, Fenster, Regale, Kunst an den Wänden. Der Raum ist nie neutral. Er zeigt Klasse, Stil, Bildung. Wenn dieser Raum kippt, kippt ein Habitus. Die Radikalisierung hat eine soziale Textur.

Die Kamera ist dabei Komplizin. In „Purge“ fährt sie horizontale Linien ab. In „Civil War“ ist sie ein Körper, der atmet, der stolpert, der schwitzt. In „The Change“ ist sie ein Blick, der bewertet. Schnittmuster folgen dieser Logik. Lange Plansequenzen erhöhen in „Civil War“ das Gefühl des Ausgeliefertseins. Schnelle Schnitte in „Purge“ verwandeln Ordnung in Überforderung. Klassisch komponierte Einstellungen in „The Change“ erzeugen die Stabilität, die der Text untergräbt. So wird Form ein bedeutungsvoller Träger. Sie sagt, was Figuren nicht mehr sagen.

Die Frage nach der Verantwortung stellt sich immer, wenn Kunst am Rand von Gewalt arbeitet. Das US-Kino antwortet selten mit Verboten. Es antwortet mit Ambivalenzen. „Civil War“ verweigert dem Zuschauer die entlastende Identifikation. Es zwingt dazu, die eigene Schaulust zu reflektieren. „Purge“ überzeichnet, um das Normale sichtbar zu machen. „The Change“ lässt die Figuren im Zwiespalt zurück. Diese Strategien sind mehr als dramaturgische Kniffe. Sie sind Haltungen. Sie nehmen das Publikum ernst. Sie trauen ihm Deutung zu. Sie trauen ihm Selbstkorrektur zu.

Die Kehrseite dieser Haltung ist das Risiko der Vereinnahmung. Bilder leben in vielen Kontexten. Ein Standbild aus „Civil War“ kann zur Pose werden. Eine Purge-Maske kann vom Gag zur Drohgebärde mutieren. Der Film kann das nicht verhindern. Er kann es nur thematisieren. Genau deshalb ist der Hybrid aus Immersion und Analyse, aus Szene und Reflexion, die starke Form der Gegenwart. Er erzeugt Nähe und baut Distanz ein. Er reizt und bremst. Er verführt und entlarvt. Das ist das Maximum an Verantwortung, das ein Film leisten kann, ohne zum Lehrfilm zu werden.

Ausblick: Von der Diagnose zur Ethik des Widerstands

Wir haben den Weg vom Paranoia-Thriller zu den Gegenwartsfilmen nachgezeichnet. Wir haben drei Mechaniken beschrieben, die Radikalisierung im Kino strukturieren. Wir haben gesehen, wie Form zur Aussage wird. Im nächsten Kapitel verschieben wir die Perspektive. Wir fragen, wie Figuren gegen Radikalisierungsmechaniken arbeiten. Welche Narrative finden Widerstand attraktiv, ohne Gewalt zu romantisieren. Welche Bilder geben Konflikt Raum, ohne Eskalation zu belohnen. Welche Rollen spielen Journalistinnen, Lehrende, Eltern und Kinder in dieser Dramaturgie. Und was heißt das für ein Publikum, das nicht nur sehen, sondern handeln will.

Das neue US-Kino der Radikalisierung ist kein Sub Genre. Es ist ein Aggregatzustand. Es entsteht, wenn gesellschaftliche Spannungen hoch genug sind, um Erzählungen zu formen, aber noch nicht so hoch, dass Kunst nur noch dokumentiert. „The Purge“ zeigt den Reiz des Rituals. „Civil War“ zeigt die Erschöpfung des Ausnahmezustands. „The Change“ zeigt die intime Seite der Spaltung. Zusammen bilden sie ein Dreigespann. Es sagt, dass Demokratie nicht durch Ansprachen stirbt. Sie stirbt durch Routinen. Es sagt auch, dass Kunst die größte Wirkung erzielen kann, wenn sie nicht belehrt, sondern aufrüttelt. Genau das macht dieser Film. Er hält uns einen Spiegel vor. Nicht mit einem belehrenden Ton, sondern mit Bildern, die man nicht so leicht vergisst.